Nato a Firenze nel 1883, manifestò precocemente una particolare predisposizione per il disegno e la pittura. Dopo le prime esperienze formative, frequentò l’ambiente artistico fiorentino, entrando in contatto con le ricerche pittoriche che, tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del nuovo secolo, cercavano di superare i modelli accademici attraverso un più diretto confronto con la realtà. Fondamentale fu l’insegnamento di Giovanni Fattori, dal quale assimilò l’importanza dell’osservazione dal vero e una concezione della pittura basata sulla sintesi delle forme e sull’equilibrio dei rapporti cromatici.

Pur risentendo inizialmente della tradizione macchiaiola, Spadini sviluppò progressivamente un linguaggio autonomo, caratterizzato da una pennellata libera, da una tavolozza luminosa e da una particolare attenzione alla vibrazione della materia pittorica. L’interesse per la grande tradizione figurativa italiana, unito alla conoscenza delle esperienze impressioniste francesi, contribuì alla definizione di uno stile personale, nel quale la solidità della costruzione compositiva convive con una straordinaria freschezza esecutiva.

Un momento decisivo della sua carriera fu il trasferimento a Roma, avvenuto nei primi anni del Novecento. Nella capitale Spadini entrò in contatto con un ambiente culturale vivace, frequentato da pittori, letterati e intellettuali impegnati nel rinnovamento delle arti. La sua pittura attirò progressivamente l’attenzione della critica più sensibile alle nuove tendenze figurative, distinguendosi per la capacità di coniugare una profonda conoscenza della tradizione con una visione moderna e spontanea della realtà.

Particolarmente significativa nella sua produzione fu la rappresentazione della vita familiare, tema che assunse un ruolo centrale soprattutto negli anni della maturità. La moglie Pasqualina Cervone, anch’essa pittrice, e i figli divennero i protagonisti di numerose composizioni nelle quali l’artista seppe trasformare momenti di quotidiana intimità in immagini di straordinaria intensità poetica. Bambini intenti al gioco, figure femminili raccolte in ambienti domestici e scene ambientate nei giardini costituiscono un repertorio figurativo affrontato con naturalezza e sensibilità, lontano da qualsiasi artificio narrativo.

Dal punto di vista stilistico, la pittura di Spadini si distingue per la ricchezza e la luminosità della tavolozza, nella quale prevalgono tonalità delicate di azzurro, rosa, verde e violetto, spesso armonizzate attraverso raffinati passaggi grigio-argentei. Le forme vengono costruite mediante pennellate ampie e vibranti, capaci di suggerire il volume senza ricorrere a contorni rigidamente definiti. Questa particolare concezione pittorica rivela affinità con l’Impressionismo francese, soprattutto con l’opera di Pierre-Auguste Renoir, del quale Spadini condivise l’interesse per la figura umana, la luce naturale e la sensualità del colore.

Accanto alla figura, un ruolo fondamentale fu occupato dalla pittura di paesaggio. Le vedute dei giardini romani, i prati, gli alberi e gli scorci della campagna laziale offrirono all’artista l’occasione per approfondire una ricerca luministica sempre più libera. In queste opere la natura viene interpretata attraverso una visione immediata e vibrante, nella quale il colore assume una funzione costruttiva ed espressiva. Particolarmente suggestive sono le composizioni ambientate a Villa Borghese, dove la luce filtrata attraverso la vegetazione e le figure immerse nel paesaggio contribuiscono a creare atmosfere di delicata armonia.

La sua produzione comprende inoltre ritratti e nature morte, generi nei quali emerge una straordinaria padronanza della materia pittorica. Nei ritratti, l’attenzione alla somiglianza fisionomica si accompagna a una ricerca più profonda della presenza psicologica del soggetto, mentre nelle nature morte gli oggetti vengono restituiti attraverso accostamenti cromatici di grande freschezza. In entrambi i casi, l’interesse dell’artista si concentra soprattutto sulla capacità del colore di definire forme, volumi e rapporti spaziali.

Nel corso degli anni Dieci, Spadini partecipò alle esposizioni della Secessione romana, contribuendo al rinnovamento della cultura figurativa della capitale. Pur mantenendosi distante dalle sperimentazioni più radicali delle avanguardie, la sua pittura rappresentò una posizione di notevole modernità, fondata sulla reinterpretazione della tradizione attraverso una sensibilità luministica e cromatica profondamente personale.

La sua attività fu seguita con crescente interesse da importanti critici e intellettuali, tra i quali Emilio Cecchi, Ugo Ojetti e Ardengo Soffici, che riconobbero nella sua opera una delle espressioni più autentiche della pittura italiana contemporanea. Nonostante le difficoltà economiche e una salute progressivamente compromessa, Spadini continuò a lavorare intensamente, elaborando negli ultimi anni alcune delle sue composizioni più mature e significative.

Il definitivo riconoscimento pubblico giunse nel 1924, quando la XIV Biennale di Venezia gli dedicò un’ampia sala personale. L’esposizione consacrò il suo ruolo nel panorama artistico nazionale, rivelando al grande pubblico la qualità di una produzione fino ad allora conosciuta soprattutto da una cerchia relativamente ristretta di collezionisti e intenditori.

Morì prematuramente a Roma il 31 marzo 1925, all’età di quarantuno anni, lasciando una produzione di notevole intensità e originalità.